Debate sobre la belleza

Cualquier tiempo que corra en la historia será bueno para hacernos otra de las preguntas trascendentales en los artistas y diseñadores.

¿Qué es la belleza?

Podemos tener la tentación de buscarlo en Google, delegar el esfuerzo de la reflexión en una página de Wikipedia. Recitar la definición como un niño que sale a la pizarra a exponer con una voz monótona y académica:

"Cualidad de una persona, animal o cosa capaz de provocar en quien los contempla o los escucha un placer sensorial, intelectual o espiritual."

Nos solemos quedar tranquilos sabiendo que las cosas tienen su definición y explicación. Con eso nos basta. No buscamos más allá. No reflexionamos si alguien ya lo hizo por nosotros, y desde luego no leemos nada sobre esas reflexiones si no es algo que nos vaya a resultar útil al corto plazo. Tal es la naturaleza de estos tiempos, donde preguntarse qué es la belleza implica meter a nuestra mente en un pequeño ejercicio de "crossfit".

Acomodémonos, y empecemos a bailar con este interesante concepto: la belleza.

Preguntas de apoyo:

• ¿Qué sentimos cuando vemos algo bello?
• ¿Se puede medir la belleza?
• ¿Se puede encorsetar en un canon?
• ¿Puede ponérsele precio?
• ¿Debe el arte ser bello?

Ilustración a lápiz de color

En esta sesión, se propone que trabajes el coloreado.

El color es un concepto que se da gracias a la luz, o a la parte del espectro electromagnético que somos capaces de percibir. Se entiende que el color no existe fuera de la capacidad que tienen los bastones cromáticos de nuestros ojos de captar la luz dentro de los valores del espectro de luz visible.

Además estos bastones cromáticos (hay tres tipos: rojo, verde y azul) se ven influidos por tres aspectos:

• Matíz o tono
• Luminosidad
• Saturación

Imagen de Josemiguel17

¿Alguna vez te has preguntado si el tono de rojo que ves tú, es el mismo que el que ve otra persona?
¿Creéis que os transmite lo mismo?
El color es una de las herramientas de la comunicación visual. Y el coloreado, una disciplina que nos permite comunicarnos de una manera muy interesante.
Es muy probable que partas de una técnica relativa a tus épocas en primaria, donde la mayor parte de las actividades incluían el dibujado o coloreado de una obra, pero sin mucha fijación en averiguar un camino de mejora de dicha técnica.

Nuestro cerebro artístico sólo es capaz de desarrollarse cuando nos sentimos libres de reforzar nuestra formación.

Introducimos entonces una práctica que nos permitirá ver en qué punto estamos en nuestra capacidad de colorear, esto es, rellenar con color -de momento lápiz- un círculo de varias tonalidades.

ACTIVIDAD 1: Esto es un ejemplo de círculo cromático y barra cromática. Es una referencia, tú puedes hacer el tuyo cogiendo cada lapicero de tu estuche y viendo cuántos coloreados (más suaves o más fuertes) eres capaz de hacer. La idea es que ganes más control y limpieza en tu coloreado.

PROPUESTA 1: Interioriza los conceptos de tono, luminosidad y saturación. Coge una fotografía tuya (un paisaje, un selfie...) y cárgala en PIXLR o Photoshop. Encuentra estos parámetros en la herramienta y juega con ellos. Cambia y combina sus valores.

Las obras de el movimiento Arts & Crafts

Se exponen a continuación las obras más importantes del movimiento Arts & Crafts:

Exterior de la Casa Roja

Planos de la Casa Roja

Más sobre la casa roja aquí

Palacio de Westminster de Charles Barry y Augustus Puhin

Tipografía Gotish, Old English de William Morris (De esta surgió la Bookman más adelante)

Silla Morris & Co

Propuesta 1: Trata de dibujar a lápiz y en grande (ocupando un A4) cualquiera de las letras de la tipografía Gotish. La idea es que comiences a practicar con las reglas curvas y el compás.

Propuesta 2: Elabora una tabla que acumule todos los datos sobre corriente, conceptos CLAVE, autores fundamentales y obras, para que puedas organizar la información teórica del curso. A continuación se muestra un ejemplo sobre cómo quedaría Arts & Crafts resumido en una línea. ¡Complétalo!

CORRIENTE	Conceptos CLAVE	AUTORES FUNDAMENTALES	OBRAS
Arts & Crafts (Finales del s.XIX)	Contra el diseño industrial. Tradición Gótico Estampados florales y vegetales.	William Morris Philip Webb	Red House (Philip Web) Morris Chair(William M.)
Art Noveaux

Arts & Crafts

La historia del diseño no tiene una fecha concreta de inicio. El concepto en sí de diseño no dejaba de ser una característica que dependía casi en exclusiva de artistas y artesanos, que a lo largo de la historia habían sido formados como discípulos en diversos gremios.

Sin embargo, a la hora de iniciar una crónica sobre el diseño solemos centrarnos a finales del siglo XIX, donde un grupo de artistas, arquitectos, artesanos, pintores y escultores vieron amenazadas sus parcelas de trabajo con la llegada de la Industrialización.

Como ya sabemos, durante esta época el hombre comenzaba a ganar más capacidad para generar producto en masa, valiéndose de fábricas y maquinaria.

Ante este panorama, hubo un hombre multidisciplinar que decidió tomar la iniciativa llamado William Morris, que agarró todo lo que existía documentado sobre arte y diseño desde los orígenes de la imprenta en la Edad Media hasta su época, con el objetivo de promocionarlas y luchar contra el sinsabor estético de los productos de la fábrica.

Impulsores: Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley.

Propuestas: Busca estos nombres en Google y observa sus diseños.
Propuesta 2: Investiga la corriente prerrafaelita