La Tipografía

Disciplina del Diseño que estudia los estilos y morfología gráfica de las letras. En base a ella, pueden definirse diferentes “tipos de letra”.
Es interesante mostrar las tipografías más conocidas que se han definido a lo largo de la historia:


Conceptos de Modulación y Remate
La modulación hace referencia a la variación del eje imaginario sobre el que descansa la letra y a las diferencias de grosor que pueda tener. Es decir, una tipografía sin modulación suele ser simétrica, sin ninguna inclinación y manteniendo la misma anchura de trazo.

A más modulación la letra toma formas más dinámicas (de escritura a mano o con un carácter más expresivo)

El remate (o serifa) se refiere a las formas que toman las diferentes terminaciones de la grafía. Este tipo de terminaciones se incorporaron en la época romana para resaltar los grabados.

Finalmente adjuntamos una pequeña guía para la creación tipográfica:

Actividad para la semana del 27/11: Crea una fuente tipográfica a mano. Escoge dos vocales y dos consonantes y dibújalas sobre un A4 utilizando las líneas guía.

El Art Decó

Está considerada una evolución del modernismo que abarca desde el año 1920 hasta 1950. Es un arte decorativa de vanguardia(arquitectónica, escultórica, pictórica y de cartel) con identidad propia acogido con muchísimo entusiasmo en Estados Unidos. Influyó muchísimo en el cine, y todavía hoy sigue latente en muchísimas obras.

Características

• Uso de retícula recta y trapezoidal.
• Texturas metálicas, de cristal y de oro.
• Ensalza el PROGRESO y el triunfo del hombre

Autor	Obra
Raymond Hood	Tribune Tower de Chicago
William Van Alen	Edificio Chrysler de Nueva York

El término “Art Deco” se deriva de la Exposición de Artes decorativas que tuvo lugar en París en 1925 para celebrar la llegada de un nuevo estilo en las artes aplicadas y en la arquitectura. Esta frase

abreviada se usa hoy día para describir una gama muy amplia de ornamentos y presentaciones: desde

los profusos patrones “jazz” de brillantes colores de los años veinte al modernismo metálico

aerodinámico de los treinta. La diversidad de interpretaciones refleja la multitud de influencias y

tendencias que se produjeron en esta décadas

Las revolucionarias láminas de moda de Paul Poiret, de 1908 y 1911, no sólo despojaron del corsé a las mujeres sino a todo el conjunto del diseño. Con una imaginación inspirada en las exóticas vestimentas árabes y orientales, fué el perfecto traductor de los “Ballets Rusos” de Diaghilev a la alta costura, e inspiraron a artistas y artesanos, que adoptaron la vistosa paleta de los fauvistas, la asimetría angulosa de los cubistas y los motivos geométricos de C.R. Mackintosh, Coloman Moser y Josef Hoffmann. El descubrimiento de la tumba de Tutankamon y el empleo de motivos aztecas y de los indios pieles rojas acentuó el juego de elementos geométricos y contrastes de colores. Después de la Guerra Mundial, la sociedad quería mirar hacia el futuro, y los diseñadores captaron las preocupaciones urbanas contemporáneas: velocidad, viajes, placer y lujo.

Las solemnes teorías del movimiento moderno acerca de la línea pura y sin adornos no tuvieron efecto alguno en los diseñadores Art Deco. Para ellos los colores fuertes, las yuxtaposiciones geométricas dinámicas y las superficies relucientes representaban el espíritu de la época, expresando acción positiva, velocidad y estilo. En sus obras abundan las referencias a la naturaleza y las fuerzas naturales: rayos de sol, cataratas, nubes, flora, fauna, estilizados en diseños geométricos y abstractos. El Art Deco es un ejercicio de diseño total, que mezcla materiales exóticos con plásticos y niquelados, infundiendo drama en gigantescos proyectos arquitectónicos y un curioso encanto en los artículos domésticos y los accesorios.

En los años veinte y treinta, Hollywood proporcionó a millones de personas de América y Europa una

oportunidad de escapar de las tensiones y monotonía de la vida cotidiana. Los actores y actrices se

convirtieron en “estrellas” y en modelos para la adoración del público, distando los cambios de moda enbelleza, estilo y comportamiento. Los interiores solían estar decorados de un modo impracticablemente lujoso y espectacular, pero precisamente por eso captaron las aspiraciones de un público cada vez mas materialista.

Las películas se producían a miles y en todos los pueblos y ciudades se construyeron cines para

proyectarlas, desarrollando una arquitectura estilo Hollywood, con fachadas llamativas e interiores de

lujoso diseño, siguiendo los gustos exóticos del Art Deco.

Fuente: DISEÑO - HISTORIA EN IMGANES (Penny Sparke)

Actividad: Realiza sobre una lámina en técnica libre y a color la fachada de un edificio con inspiración Art Decó. Recuerda bien las formas y materiales propios de esta corriente.

*ACTUALIZADO 10/2018* Criterios de corrección de Selectividad

Echa un vistazo a los criterios utilizados para la corrección del examen de diseño

Parte teórica (3 puntos)

1. Pregunta sobre Movimientos, Autores y Obras situados en el tiempo o a emparejar.
2. Pregunta sobre Configuración Formal (Teorías sobre percepción, Elementos básicos de lenguaje visual y su aplicación -punto, linea, plano, color, formas, simetrías, composiciones)
3. Pregunta sobre Teoría y Metodología del diseño ( mencionar factores justificados sobre el diseño de un objeto o elemento, o las fases requeridas para su consecución)

Parte práctica (7 puntos)

OPCIÓN A (Diseño Gráfico)
Dos preguntas:

Pregunta corta sobre diseño en el espacio (se realiza sobre la portada del cuadernillo A3) (2,5 puntos)

• Adecuación de características de técnicas y materiales al tipo de producto.
• Adecuación de características de formales y estéticas.
• Técnicas de representación utilizada (vistas, perspectivas,...)
• Bocetos y croquis (rastro de pensamiento del desarrollo del producto) y boceto final (en la misma cara que el desarrollo)
• Mostrar referencias de escala y proporciones (cotas, guías,...)

Pregunta larga sobre diseño gráfico (se realiza en las caras interiores del cuadernillo A3) (4,5 puntos)

• Exploración y creatividad de la solución
• Uso adecuado y justificado de la tipografía.
• Uso de recursos del lenguaje visual (color, forma, composición) y adecuación justificada a la propuesta.
• Calidad de la justificación argumentada sobre COLOR, FORMA, TEXTURA... (parrafitos cortos)
• Destreza sobre la lámina.

NOTA: la opción B es el diseño en el espacio como pregunta larga, y el diseño gráfico como corta, siendo necesario solo el desarrollo de esta última culminando con un boceto final en la misma cara y bajo los mismos criterios, y siendo acompañada la pregunta larga con un arte final del objeto espacial bien representado, tras realizar el proceso de diseño.

Desarrollo y Consejos

Contesta la teoría en la primera parte (arriba) de la portada del A3 (no te demores más de 5min en hacerlo)

ORTOGRAFÍA Y CALIGRAFÍA: cuídalas, mímalas... Pierdes 0,25p por cada falta y una acumulación suficiente podría dejar tu examen suspenso, así como una redacción ilegible.

Lo más importante es el desarrollo del proceso de diseño, sus justificaciones claras y con sentido a lo largo de ese rastro de pensamiento con bocetos que vamos dejando.

Comienza plasmando 3 ideas ligeramente diferentes entre sí. Selecciona la que te parezca mejor, explicando un poquito por qué.

Sobre esa selección elabora el proceso de diseño (mínimo 3 bocetos, recomendable 4) sobre la idea seleccionada. Aprovecha cada evolución o cambio para justificar todo lo relacionado sobre elementos del lenguaje visual. ¡Lúcete aquí!

No hace falta colorear el boceto final, aunque sí que destaque ligeramente.

Tampoco será necesario acabar el coloreado de todo el arte final, aunque sí se deben dar las muestras de color sobre el dibujo (cara derecha interior del A3). NO PONGAS NINGUNA EXPLICACIÓN CUANDO ESTÉS CON EL ARTE FINAL.

Puedes usar técnica libre y a color.

También se pueden incorporar referencias tipográficas, cartulinas o papeles coloreados sin imágenes previas figurativas.

Más material: tijeras y pegamento.

¡A por ello!

Estructura de un examen de diseño

Para preparar el examen de evaluación de la asignatura, es necesario conocer de antemano qué nos vamos a encontrar. La idea es lograr realizar pruebas muy semejantes a las de la EVAU, pero para la 1ª Evaluación nos encontraremos con un primer modelo simplificado del mismo.

Aquí tenéis el examen de hace dos años (Opción A), echadle un vistazo a su estructura:

Por el momento, la pregunta de "Diseño en el espacio" no entrará, y se dispondrá de una hora para la realización del resto del examen.
Utilizaremos dos hojas DIN A4 para emular el cuadernillo A3 que nos darán en la prueba.

CONSEJO: No dediquéis más de 5-10 minutos del examen a la teoría. Son 3 puntos. Los otros 7, la parte de diseño.

El Modernismo (Art Nouveau)

¿Recordáis Arts & Craft? ¿Qué me diríais si os dijera que el Modernismo fue una corriente que nació “a la vez” en vez de “a continuación de” la obra de Morris que vimos al principio?

Esto suele ser usual en el arte. Las influencias suelen ser contemporáneas al estilo de las que se inspiran.

En el caso del Modernismo, es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes.

Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla a caballo entre los siglos XIX y XX.

El beso - Gustav Klimt

Fue el primer fenómeno cultural  "internacional" ya que se extendió por Europa e Hispanoamérica. En distintos países recibió diversas denominaciones:

• Art Nouveau - Bélgica y Francia.
• Modern Style - Países anglosajones.
• Sezession (Austria)
• Jugendstil - Alemania y países nórdicos.
• Nieuwe Kunst - Países Bajos.
• Liberty o Floreale - Italia.

​El modernismo como tal, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta aunque las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris fueron en gran medida las aspiraciones en las que se basó esta corriente de renovación artística.

El Modernismo representará una ruptura con los estilos arbitrarios en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo).

“Qué manía tienen todos con decir que rompen con todo lo anterior…”

La estética nueva que se trató de crear se inspiró en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal.



Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:

• Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural (formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose)
• Uso de la línea curva y la asimetría.
• Tendencia a la estilización de los motivos.
• Enfocar productos de calidad, materiales y técnicas de 1ª calidad.
• Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles.
• Actitud tendente a la sensualidad.
• Libertad en el uso de motivos de tipo exótico.

Uno de los objetivos esenciales del modernismo fue hacer desaparecer los límites entre las diferentes artes: el modernismo, dirigido por arquitectos y artistas libres, pretendió una renovación estéticamente consciente del arte, de la decoración, del arte del mueble y de las artes industriales en general.

Autores y obras clave del Modernismo

Gustav Klimt	Pintura: El beso
Antoni Gaudí	Arquitectura: La sagrada Familia y La casa Batlló
Victor Horta	Arquitectura: Grand Bazar-Palais Rothschild-Schmoller y La Casa Horta

Consejo: “Para que se te grabe bien el nombre de las obras, lo mejor es VERLAS DE VERDAD”

Grand Bazar-Palais de Frankfurt, 1910

Propuesta 1: Si tienes una oportunidad, saca una fotografía de alguna escultura, edificio o pintura que te recuerde al movimiento, aunque no identifiques qué es. Madrid sorprende con la cantidad de obras de diferentes corrientes del diseño.

ACTIVIDAD:  Inspirándote en esta corriente, realiza una obra pictórica que cumpla con las características del Modernismo. Aprovecha para mejorar tu trazado y rellenado. Técnica libre y a color

El neoplasticismo

Con la llegada de la Bauhaus coincidieron una colección de vanguardias en el tiempo que dejaron huella en la historia del Diseño.

Una de ellas llegó de la mano en pintura de Piet Mondrian (1872-1944) que sentó las bases del movimiento De Stijl también conocido como Neoplasticismo.

Este artista holandés, comenzó con una pequeña influencia de su tío en el impresionismo de principios de siglo, pero su verdadero desencadenante fue el cubismo. Mondrian se hace eco del cubismo en el que las formas se descomponen en planos que se yuxtaponen en el lienzo con gran austeridad cromática.
En obras como Composición X en Blanco y Negro comienza a dar forma a su estilo.

Composición X en Blanco y Negro

Los años de la Primera Guerra Mundial los pasa en Holanda y de su colaboración con Theo van Doesburg -arquitecto- nace en 1917 la revista De Stijl, que reunió a un grupo de artistas cuyo objetivo era hacer visible la esencia de la realidad.

De Stijl aspiraba a la expresión de lo universal y Mondrian definió este objetivo para el cual encontró el nombre de Neoplasticismo.

En su búsqueda de universalidad, utilizó los principios geométricos en el análisis de la estructura interna de las cosas, lo que lo llevó a reducirlas sólo a forma y color. Pero irá más lejos, reducirá todas las formas a la oposición y el equilibrio entre la línea vertical y la horizontal, que forman ángulos rectos y todos los colores a los tres primarios, además de incorporar la negación del color ( el blanco, el negro y el gris) a la composición de la obra.

En Tableu II propone una ordenación geométrica del mundo. Reduce al máximo los elementos integrantes y convierte los colores elementales azul, amarillo y el rojo y el cruce de líneas verticales y horizontales en la base de toda la gramática estructural.

En Tableu IV o Composición en rombo con rojo, gris, amarillo y negro el vacío constituye un elemento fundamental de su sistema cromático. Si el vacío domina la composición es en parte gracias a las gruesas franjas negras que separan los tres colores primarios rojo, amarillo y azul.

En Composición con rojo, amarillo y azul (1935) el artista traza sobre el blanco de la tela líneas negras, horizontales y verticales, que determinan una trama de cuadrados y rectángulos. Tres de ellos los ilumina con el rojo, el amarillo y el azul. Busca representar el cuadro en dos dimensiones, evitando crear la ilusión de profundidad. Por eso omite cualquier línea curva o diagonal ya que éstas dan la sensación de perspectiva.

En 1924 se separa de Theo van Doesburg cuando éste quiere introducir la diagonal como signo de dinamismo y abandona De Stijl para trasladarse finalmente a Nueva York.

La simplicidad de este lenguaje ha influido notablemente en la arquitectura y el diseño del siglo XX y en diversas tendencias de la abstracción.

ACTIVIDAD: Realiza tu propia Composición Mondrian en un folio A4 o cartulina.

Fuentes: http://www.arteespana.com/neoplasticismo.htm

La escuela Bauhaus I

La palabra significa casa de la arquitectura en alemán. Se pronuncia “báujaus”. Así, como suena. Si suavizas la ‘j’ entonces tus oyentes sabrán que vas en serio cuando hables sobre ella.

Es una escuela de arte, arquitectura y diseño. Fue fundada por el arquitecto, urbanista y diseñador de origen germano Walter Gropius en Weimar (Alemania) en 1919.

El mundo acababa de pasar por la Primera Guerra Mundial (conocida como la Gran Guerra). Se respiraba un aire de temor ante la amenaza del régimen ruso (época de Marx y Engels).

A Gropius se le ocurre una idea tras ser nombrado encargado de la escuela de arte en Weimar: "unificar sus actividades y eliminar las diferencias entre artistas y artesanos".

Dentro de la escuela, existían diversos talleres como encuadernación, carpintería, textil, escultura, arquitectura, urbanización... Gropius adoptó la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad.

Para la fundación de la escuela, Fleming (1989), afirma que

“…reunió un conjunto de estudios, talleres de máquinas, oficinas administrativas y casas de profesores en un grupo admirable de cubos entrelazados e interrelacionados. Las unidades menores tenían fachadas a lo Mondrian; otros como el taller o sala de máquinas, eran estructuras abiertas con paredes de cristal (p. 355)”

En 1923, se celebró la primera exposición de la Bauhaus y los alumnos presentaron todo tipo de maquetas de viviendas. En esa misma fecha, se construyó una casa familiar, de forma cuadrada, con varias habitaciones pequeñas agrupadas alrededor de una mayor. Fue bautizada como la Casa Sommerfeld y fue el primer gran proyecto de la casa de estudios. Esta obra fue alabada por diversos críticos.

Datos completos: https://es.wikiarquitectura.com/index.php/Casa_Sommerfeld

En la construcción de la casa, Walter Gropius recicla los restos de un barco de guerra naufragado, que fueron mandados a desguazar y utilizados para levantarla. El arquitecto escribió un artículo a favor de la utilización de la madera en la construcción, pues era barata y fácil de utilizar, anticipando de este modo ideas, siempre reflejadas posteriormente a lo largo de toda su carrera, sobre todo en la posterior construcción de las llamadas Packaged Houses, realizadas a base de tableros contrachapados.

“Miës van der Rohe formó parte de esta corriente…”

Diseño de la escuela actual Bauhaus:

Leer más: http://www.monografias.com/trabajos52/escuela-bauhaus/escuela-bauhaus.shtml#ixzz4Jb9fops0